Jean-Michel JarreOxygene

Fejér Gergely

Az Oxygene egy paradoxon, egy elektronikus album, amely úgy van megkomponálva, mint a klasszikus zene, de mégsem az. Fájdalmasan öntudatos, egyszerre használ nehézkes zenekari mosásokat és apró, poros, szintetizált hangbuborékokat, amelyek könnyen egy olcsó sci-fi vagy pornófilm soundtrackjei is lehetnének. Tényleg nem akarod szeretni. De Jean-Michel Jarre néha rokokósnak tűnő erőfeszítései ellenére az Oxygene egy hipnotizáló mű. Igen, ez a helyes szó. Hipnotikus, olyan ködös, transzszerű hatást kelt, amely hajlamosít, hogy az ember elkalandozzon. Remek pihentető zene, fejhallgatón keresztül csodásan szól, és bármit is csinálsz, segít ellazulni. Tökéletes meditációhoz (ha a meditációs célod az, hogy figyelmen kívül hagyd a külvilágot) vagy jógagyakorlathoz.

Vannak közös vonásai az ambient zenével, de nem olyan, mint az akkori ambient zene. Brian Eno és Robert Fripp 1972-ben a No Pussyfooting és 1974-ben az Evening Star című albumokon finoman fáziskésleltetett elektronikus szalagos loopokkal készítettek számokat, amelyeket Fripp megragadó gitárjátékával fűszereztek meg. Eno a Discreet Music című albumán már lefektette az ambient zene alapjait és mire az Oxygene megjelent, Eno kiadta az Ambient 1: Music For Airports című albumát. Az Oxygene hipnotikus és transzba ejtő, de nem ambient. Túlságosan is felhívja magára a figyelmet, a motívumai és tematikus kidolgozottsága, valamint a theremin-szerű hangzás túlzott használata révén. A zenei ötletek gyakran származékosnak tűnnek. Elektronikai oldalról a Tangerine Dreamtől származnak, akik a szekvencerek textúraalkotó használatát fejlesztették ki (a berlini iskola), és a Kraftwerk robotikus német zenei értelmezésétől (a düsseldorfi iskola). Klasszikus oldalról folyamatosan Bach, barokk és klasszikus zenei korszakok általános kompozíciós struktúrája, valamint olyan virágzóbb zeneszerzők, mint Mahler és Csajkovszkij felé hajlanak.

Az Oxygene diadala az, hogy egyáltalán elkészülhetett. Jarre 1972-ben már felvett egy albumot, a Distant Lands-et, amely elsősorban reklámok vagy rövidfilmek zenéjéhez használt hangzásvilágok csoportja volt. Az album, amelyet a legalapvetőbb felszereléssel vettek fel, ma már amatőrnek hangzik és nehéz elhinni, hogy Jarre azzal, ami rendelkezésére állt, megcsinálta. " Az Oxygene előtt Jean-Michel csak nagyon egyszerű felszereléssel dolgozott, leginkább egy Revox 2 sávos felvevővel és egy EMS VC3 vagy AKOS szintetizátorral " - mondja Michel Geiss, aki az Oxygene folytatásához, az Equinoxe-hoz tervezte és építette a Geiss Matrisequencer-t." Nem volt elég gazdag ahhoz, hogy több felszerelést vásároljon, de amikor elhatározta, hogy belevág az Oxygene nevű instrumentális főprojektjébe, sikerült megfinanszíroznia egy használt 8 sávos magnó és néhány további hangszer megvásárlását ". Az Oxygene még így is elég primitív körülmények között készült, Jarre a konyhájában állította össze és rögzítette a felvételeket. Jarre erről David Simpsonnak adott 2018-as interjújában emlékezett meg: "Mivel olyan kevés volt a munkám, kreatívnak kellett lennem. A régi Mellotronomnak csak néhány működő billentyűje volt, de így is sikerült megírnom rajta az Oxygene (Part II) című számot. A primitív dobgépem - egy Korg Mini Pops - olyan volt, amivel a kocsmákban játszottak, de a Sellotape (nálunk ragasztószalag vagy ducktape) segítségével egyszerre két előre beállított ritmust is le tudtam játszani vele, és így klassz ütemeket tudtam létrehozni."


Az album hat részre tagolódik, amelyek az Oxygene nevű zenei szvitet alkotják. Az eredeti bakelitlemez mindkét oldala hármat tartalmaz az összesen hat számból. Az első oldal zenéje nagyrészt időn kívüli, kevés ütőhangszerrel, de saját elektronikus ritmusokkal lüktet. A kompozíció saját logikáját követi és a hallgatók figyelmét gyakran elvonják a különböző hangzásbuborékok, amelyekkel dobálózik. Többszöri hallgatásra az ember hozzászokik Jarre hangzáspalettájához és előbukkan a mű finomabb szépsége. Az ember elkezdi a hangokat zenekarként hallani. Egyes hangmosások vonósoknak tűnnek, míg mások a fafúvósokat idézik. Megint mások egyszerűen elektronikus szintetizátoroknak hangzanak. Jarre érdeme, hogy egyik szintetizátor vagy elektronika sem utánozza más hangszerek hangjait. Ez azt jelenti, hogy Jarre az elektronikát elektronikaként használja. Nem próbálja elérni, hogy egy szintetizátor úgy szóljon, mint a trombiták vagy mint egy szaxofonszekció de a zene hangszíne és árnyaltsága miatt zenekari hangzásként fogjuk értelmezni.

Nem tűnik tisztázottnak, hogy az Oygene-t Michel Granger akvarellfestménye ihlette-e, vagy a festmény és a zene, amit komponált, egybeolvadt Jarre fejében amikor meglátta. Ez utóbbi tűnik valószínűbbnek, mivel Granger visszaemlékezése szerint Jarre rögtön a festmény megvásárlása után azt javasolta, hogy használja a képét albumborítóként. Abban az időben, amikor az albumborítók a művészet szintjére emelkedtek, és a hallgatók erősen vizsgálták őket, Granger festménye, amely a Föld bolygót ábrázolja, amelynek "héja" lehámlott, hogy felfedje a benne lévő koponyát, erős környezetvédelmi állásfoglalás volt. A kép még zsigeri szinten is hat, az emberi faj túlélésének képeit idézi fel vagy a művészet kedvenc témáját, saját halandóságunkat.

Az album második oldalán a Korg Mini Pops ritmusgép kap hangsúlyosabb szerepet. A "B" oldal az "Oxygene 4"-gyel kezdődik, amely egy ütemet tartalmaz és Gershon Kingsley "Popcorn" című szerzeményének adaptált változatán alapul. Kingsley az eredetit a Music to Moog By című albumára vette fel, de a First Moog Quartet egyik tagja, Stan Free 1972-ben Hot Butter néven készített belőle egy slágerváltozatot. Jarre variációja természetesebb és kevésbé giccses, mivel lelassítja és több teret kínál, bizonyos szempontból szinte dub-hangulatot idéz. Az Oxygene tágas érzetét többek között azzal teremtette meg, hogy a Revox szalagos magnó segítségével késleltette az egyik hangszóróból kijövő hangot. Az "Oxygene 5" ritmussáv nélkül kezdődik, zöldellő hangulatot teremtve, kiegészítve azzal, mintha madarak és más vadon élő állatok hangja lenne, amelyek egy esőerdő felett siklanak. 5:25-nél hirtelen megváltozik a hangulat, amikor Jarre bevezet egy olyan ütemet, amely azonnal az Autobahn második felére emlékeztet, és amelyet hamarosan különböző formákban újrateremtett a New Wave szintetizátor-alapú zenekarok légiója. A track végén tisztán hallható szekvencer stílusú basszusvonal szintén Giorgio Moroder popposabb irányultságú szintetizátor munkásságára emlékeztet. Ez a basszusvonal elhalványul az "Oxygene 5"-ről az "Oxygene 6"-ra, az album utolsó számára való átmenetben, hogy helyébe olyan elsöprő szintetizátoros megoldások lépjenek, amelyek nagyon úgy hangzanak, mint egy gigantikus belégzés és kilégzés - talán az egész bolygó, vagy egy erdő fái, vagy egy életben tartott beteg. Ez egy moll téma felé vezet, amelyet ismét a ritmusgép támogat (Jarre szerint a "rumba" és a "bossa nova" beállítások kombinációja). Újra megjelennek a madár/vadonhangok, az egész úgy hangzik, mintha az élet vonata karavánként vonulna a bolygón, egy véget nem érő karnevállal, amely az élet minden formájától és energiájától hemzseg. Ez körülbelül másfél perc múlva kezd elhalványulni, visszaváltva egy nagy tüdő lélegző hangjává és ez lassan elhalkul a lemez hátralévő részében. Soha nem áll meg, de elhalványul, a "beteg" egyre halványabb és halványabb.


Annak idején a popzenei sajtó reakciója kiszámíthatóan negatív volt. Az elektronikus zenét még mindig furcsa újdonságnak tekintették, Wendy Carlos úttörő munkája és a Gershon Kingsley által elindított popzenei alkalmazások ellenére. Kíváncsi vagyok, hogy az akkoriban ezeket a felvételeket hallgató emberek mennyire vizualizálták a valós időben előadott zenét, amit nem igazán lehetett megtenni. Az olyan rockzenészek, mint Keith Emerson és az olyan fúziós együttesek, mint a Chick Corea's Return to Forever, moduláris Moogokat és Mini Moogokat cipeltek magukkal és használták őket élőben, de ez nagyon különbözött attól, amit az olyan zenészek csináltak, mint Jarre és Carlos, akik kizárólag elektronikus hangszerekkel, szintetizátorokkal, szalagos magnókkal, különböző effektekkel és manipulációkkal komponáltak és rögzítettek.

Furcsának tűnik, hogy az Oxygene most sokkal aktuálisabban hangzik, mivel elavult elektronikát használ, mint a megjelenése idején. Akkor némileg futurisztikus volt, de a kritikusok is hallottak belőle egyfajta sterilitást, mintha egy önzáró buborékban lévő világot hallottak volna. Sok volt ebben a türelem hiánya a fejlődő elektronikus zenével és általában a rockzene progresszív szárnyával szemben. A láthatáron a punk rock érkezése, az eredeti rockzene energiájának újjáéledése a New Wave révén, valamint a fejlett produkció és a kibővített hangszerelés mesterkéltségének elutasítása volt. Amit akkoriban kevesen láttak előre, az a zenei fejlődés e két irányzatának végső összeütközése és együttműködése volt, amely hosszú évekre a modern könnyűzene "lingua francajává" vált.



© 2023 | milyenlett? blog
Powered by Webnode
Create your website for free!